La idea del formato DNG es servir como contenedor estándar para guardar los mismos datos, sin pérdida de calidad, y con muchas ventajas añadidas. Actualmente algunas cámaras ya ofrecen guardar las fotos en formato DNG directamente, sin usar el propietario de la marca, como son algunas Pentax y Leica.

Aún así, hasta ahora que no había probado este formato, yo, al igual que seguramente muchos de vosotros, seguía un poco reticente sobre el hecho de no guardar mis fotos en archivos .CR2, que era lo que generaba mi cámara Canon. Si la cámara genera estos archivos, será por algo ¿verdad?

Bueno, pues con las fotos de mi última salida, a Calella de Palafrugell, de las cuales hablaré dentro de poco, he probado a importarlas en Lightroom directamente en formato DNG. ¿El motivo? Tengo fotos de 2010 que he estado viendo (con esto de recuperar fotos olvidadas), que fueron procesadas con una instalación antigua (en otro PC) con Lightroom 2 y, aunque cuentan con su archivo XMP al lado, Lightroom no me coge los ajustes, y por tanto, he perdido el procesado que hice en su momento de los RAWs. Suerte que en la mayoría están exportadas en JPG…

Porque sí señores, esa es otra: los archivos XMP. Para quien no lo sepa, Lightroom (y otros programas) utilizan un archivo sidecar para guardar los ajustes de procesado. Esto significa que aparte del archivo RAW se crea un archivo .xmp donde se almacena el procesado que se le ha ido haciendo a la fotografía para así no modificar el archivo original. La otra opción es guardar estos datos directamente en la librería de la aplicación, pero esto implica que si reinstalamos la aplicación (o perdemos la librería por cualquier motivo), perderemos todos los datos procesados. Por tanto, el tener archivos XMP parecía una buena opción.

Bien, una de las ventajas del archivo DNG es que no necesita ese archivo XMP, sino que los ajustes están incluidos en el archivo DNG.

Así pues voy a enumerar una lista de las ventajas que he encontrado en los primeros 5 minutos de uso de archivos DNG:

1. Los archivos ocupan aproximadamente un 20% menos debido a los algoritmos de compresión sin pérdida usados. Un archivo RAW de mi 5DII que ocupaba unos 32 Mb, en DNG ocupa solo 23 Mb (esto es casi un 30%, pero varía según el archivo) y sin perder calidad de imagen, por supuesto.
2. Si abres el archivo DNG en una aplicación distinta a la que has usado para procesarlo, carga los ajustes de procesado también. (Por ejemplo, si procesas la foto con Lightroom y la abres con Photoshop directamente, cargará los ajustes, a diferencia de lo que pasaba con los archivosCR2).
3. El punto 2 puede hacerte pensar… ¿Y que pasa si quiero volver a ver el original? Bien, ya que los ajustes se guardan dentro del PNG, también podemos ver la historia de procesado al igual que hacíamos en Lightroom, y deshacer todos los cambios o ver como se han ido aplicando paso a paso, al igual que con los archivos raw originales procesados en Lightroom.
4. El archivo XMP desaparece, teniendo solo un archivo por foto procesada, y no dos como antes.
5. Las previews en Lightroom son mucho más rápidas al cargar. Esto imagino que es porque está dentro del DNG y no en la librería. No debería de haber diferencia realmente, ya que son datos, pero personalmente, me va mucho mejor con los DNG, así que lo anoto como otra ventaja más ;)
6. En algún momento puede que se deje de dar soporte a los archivos RAW antiguos con la aplicación que usas (esto es, que una futura versión de Photoshop/Lightroom/etc. no leyese tus fotos de hace X años). Con el formato DNG no tienes que preocuparte ya que, al ser un formato abierto, cualquiera podría hacer un programa que los leyese y convirtiese a otro formato.

Así que espero que a partir de ahora, cuando seleccioneis vuestras fotos para importar desde la cámara, lo hagais usando la opción del Lightroom de importar en archivos .DNG. Aunque algunos digan que se tarda más en importar las fotos de esta manera (lo cual es lógico debido al procesado extra que ha de hacerse), merece totalmente la pena, porque la importación son solo unos minutos una vez, y en comparación con el archivo mejorado que tendremos para el futuro merece la pena, ¿no creeis?

¿Y qué pasa con los miles de archivos que hasta ahora se han importado en formato raw?

Fácil, con el Lightroom mismo también, podemos convertir los archivos raw a archivos .dng muy fácilmente.

Para ello tan solo tenemos que seleccionar las fotos e ir al menú Biblioteca > Convertir fotografías a DNG…

Después, saldrá una ventana donde podremos elegir más opciones. Personalmente las dejaría tal que así:

Así, los archivos que no sean de tipo raw no se modificarán, y los raw se eliminarán, junto con su archivo .xmp asociado, para dar lugar a un archivo .dng que contiene toda esa información de manera más compacta.

Respecto al tamaño de la previsualización de JPEG, tengo un monitor Full HD (1920 x 1080) y con el tamaño mediano es más que suficiente para verlo de forma completa y a buena calidad.

Sé que muchos no os atreveis, como yo hasta hace poco, a convertir y usar archivos DNG en lugar de los propietarios de vuestra cámara. Pues bien, podeis dejar en los comentarios preguntas y dudas, que os las responderé ahora que voy a usarlos. Y si alguno usa ya el formato DNG, puede contar también su experiencia.

Pues vía @dr_levis en twitter me entero de esta página, un simulador de cámaras reflex donde puedes controlar estos tres parámetros con una imagen de ejemplo y ver en que afecta cada cambio a la imagen final.

Se puede ver fácilmente como la velocidad de obturación afecta a los elementos móviles, representado con un molinillo de viento que gira. Igualmente si la velocidad de obturación es menor que la inversa de la distancia focal usada, trepidaremos la imagen :)

Se ve como la apertura afecta a la profundidad de campo, e incluso la ISO como afecta a la obtención de luz y generación de ruído :)

Es una herramienta muy interesante para aquellos que estáis aprendiendo el funcionamiento básico y me ha parecido buena idea publicarlo por aquí.

http://camerasim.com/camera-simulator.html

Esto también tiene que ver, según imagino, con la pregunta que me he hecho tantas veces: ¿Por qué la redimensión que me hace wordpress de las fotos tiene tanta perdida de color?

Si os fijais, en la mayoría de fotos que he ido poniendo hasta ahora en el blog se ven los colores distintos si se ven a tamaño completo o en su redimensión. Es por ello que opté por cambiar el diseño del blog para insertar las fotos a tamaño completo, como solución temporal.

Bien, creo que he encontrado la respuesta, y he aquí donde paso a explicar los espacios de color.

Un espacio de color, a grandes rasgos, no es más que un modelo en el que definimos la manera en la que representamos los colores. Hay multitud de ellos, y los más conocidos son el RGB, el CMYK y el HSL.

El RGB es, para mi, el más intuitivo ya que lo hemos estado viendo desde siempre en los monitores y televisores. Cada pixel se compone de 3 luces: una roja, otra verde y otra azul para crear un punto de color. Este espacio de color es aditivo, lo que significa que los colores básicos son sumados para crear nuevos tipos de color.

El CMYK es el que usan las imprentas generalmente. También muchas impresoras usan estos 4 cartuchos de tinta (Cian, Magenta, Amarillo y Negro) o alguna combinacion de estas, añadiendo cian y cian claro, y magenta y magenta claro en las impresoras de 6 cartuchos.

El HSV o HSL (Tono, Saturación y Valor/Luminancia) os puede sonar del Lightroom ya que es uno de los cuadros disponibles en el modo revelado. El tono define la frecuencia del color en el espectro visible. Vamos, el color en sí ;). La saturación define la cantidad de color (si es más vivo o más apagado) y la luminancia la cantidad de blanco/negro (más claro u oscuro).

Al fin y al cabo no son más que representaciones del color, y muchas veces hay fórmulas para pasar de una representación a otra. Por ejemplo, el rojo en RGB es (255,0,0), en CMYK es (0%, 98%, 92%, 0%), y en HSV es (0º, 100%, 100%).

Bien, ahora que ya sabemos más o menos lo que son los espacios de color, vamos a lo que nos interesa.

Cuando tomamos una fotografía, cada punto de la imagen es un color y como tal, necesita un sistema de representación. En las cámaras, o al menos en las cámaras Canon, de las cuales hablaré por ser las que más he usado, el espacio de color por defecto es el sRGB, pero también podemos elegir AdobeRGB como espacio de color con el que guardar nuestras fotografías.

El espacio sRGB es un estándar basado en el espacio RGB que fue definido por HP y Microsoft. Al ser un estandar aceptado, los monitores se basan en esta representación. El problema es que ha sido ampliamente criticado por el mal emplazamiento de sus colores primarios. Sin meternos en aspectos más técnicos, os diré que el sRGB no es capaz de representar todos los colores, aunque sí los visibles por el ojo humano. Por ejemplo, agunos colores del espacio CMYK no pueden ser representados en el sRGB, por lo que una conversión de CMYK a sRGB conllevará una pérdida de color.

Por este motivo, el espacio Adobe RGB, desarrollado por Adobe en el ’98 intenta reproducir con mayor fidelidad los colores del espacio CMYK, basándose en un espacio RGB. El rango de colores representables es mayor (50% del CMYK) y es el recomendado para guardar las fotografías.

Pero además, si trabajais con Adobe Lightroom, podeis configurar las preferencias para que a la hora de usar un editor externo, la fotografía se guarde en el espacio ProPhoto RGB. Este espacio está desarrollado por Kodak y es una mejor aún mayor, ya que representa el 90% de la gama cromática. La mayor desventaja es que el 13% de sus colores representables son imaginarios, así que es un pequeño desperdicio.

En la siguiente imagen vemos un diagrama cromático donde el triángulo interior son los colores representados por el espacio sRGB, el intermedio, los representados por el Adobe RGB y el triángulo exterior indica los colores que ProPhoto RGB es capaz de representar. Como se puede ver, hay una gran mejora. de uno a otro.

Y ahora volvemos al problema inicial, que no lo he olvidado. ¿Por qué cuando subimos las fotos a flickr, facebook, wordpress… los colores cambian? Bien, lo primero es que cada página aplica un algoritmo de compresión que tiene pérdidas, así que nunca tendremos la foto al 100%,  y lo segundo, es que el algoritmo probablemente trabaje en el espacio de colores sRGB, por lo que quizás se produzca una pérdida de color simplemente abriendo la imagen y guardándola, ya que los colores no están en la forma de representación nativa del algoritmo.

También es posible que, aunque no hayas redimensionado ni tratado la foto de ninguna manera, distintos navegadores interpreten los colores de manera distinta (como la foto comparativa entre Firefox y Chrome). Esto es, porque el único navegador que interpreta los espacios de color es el Mozilla Firefox y todos los demás trabajan en sRGB. Así que si subes una foto en un espacio de color disinto a sRGB (como yo he hecho, ya que estaba en ProPhoto RGB), la gente que no use Firefox no verá la foto como debería, sino con pérdidas importantes de color.

En resumen y a efectos prácticos, lo que debemos hacer es:

• Tomar las fotografías con la cámara en el espacio Adobe RGB (quizás en el futuro las cámaras implementen uno mejor, pero por ahora, si hay que elegir entre sRGB y Adobe RGB, elegid este último).
• A la hora de editar las fotografías, elegid el mejor espacio de color disponible. Yo ahora guardo mis fotos en PhotoPro RGB. También es útil a la hora de guardar los archivos ya procesados, así cuando quieras imprimirlos tendrán la mejor fidelidad posible.
• Cuando quieras subir la foto a internet, sube una versión en sRGB para garantizar que en todos los navegadores se vea igual.

Para transformar una fotografía a sRGB lo único que tienes que hacer es:

En Adobe Photoshop:

Edición > Convertir en Perfil > Destino: sRGB IEC61966-2.1

En Adobe Lightroom:

A la hora de exportar, en Ajustes de Archivo, elige el espacio de color sRGB.

Espero que esto os sirva y os ahorre malas experiencias con representaciones inadecuadas del color en vuestras fotos, ya que en esta época en la que todo se basa en internet, si alguien no ve tus fotos como tú querrías que se viesen no será capaz de valorar tu trabajo como debería.

Ahora, otro caso distinto es el equilibrado de los monitores… pero para esto, la solución generalmente no está en nuestras manos.

La cantidad de luz que recibe el sensor al hacer una fotografía está determinada básicamente por 3 parámetros: ISO, velocidad y apertura.

La ISO define la cantidad de luz captada por las fotocélulas que componen el sensor mediante amplificación electrónica. Básicamente viene a decir que si ponemos ISO 200 captaremos el doble de luz que a ISO 100. Aunque dicho así pueda parecer magia ya que ganamos un paso de luz, esta amplificación hace que los datos captados salten de un píxel a otro, generando lo que conocemos por ruído. De ahí que sea una característica de doble filo, ya que ganamos velocidad pero perdemos definición al subir la ISO. Es lo que correspondería a la sensibilidad ASA en términos analógicos/químicos del carrete ;)

La apertura viene dada por el diafragma del objetivo y es la cantidad que se abren o se cierran las aspas para dejar pasar más o menos cantidad de luz a la vez. Cuanto más abramos el diafragma, más cantidad de luz pasará en el mismo instante de tiempo y por tanto, menos tiempo de exposición necesitaremos para captar la misma cantidad de luz, lo que hará que podamos aumentar la velocidad de obturación. Esto se mide en efes e indica cuanto se puede abrir el obturador de un objetivo (no voy a entrar en detalles de como se consiguen estos números, quizás en otra entrada más adelante). De ahí que los objetivos con gran apertura (efe pequeña) se llamen objetivos luminosos.

La velocidad es el tiempo en el que el obturador permanece abierto permitiendo que pase la luz hacia el sensor. Con los otros parámetros (ISO y apertura) constantes, una velocidad menor hará que el sensor capte más luz que si hacemos la foto con una velocidad mayor. Esto permite sacar las imágenes más claras pero el motivo puede salir movido si no es estático, o incluso podemos llegar a trepidar la foto debido a las vibraciones causadas por el pulso a la hora de sostener la cámara.

Para controlar la velocidad se usan unas cortinas que dicen… “ahora la luz puede pasar hacia el sensor, ahora no”. Se tratan de dos placas opacas que se mueven desde arriba hacia abajo de la siguiente manera: Primero baja la primera cortinilla, el sensor queda expuesto, y luego baja la segunda cortinilla al tiempo que le hayamos indicado. Ahora la pregunta es, ¿y con velocidades altas en plan 1/1000 s. y superiores? Pues simplemente la segunda cortinilla empieza a bajar incluso cuando la primera está aún en movimiento. Se hace lo necesario para que cada fotocélula o pixel del sensor esté expuesta el tiempo justo que le hayamos indicado ;)

Este video, que no tiene desperdicio alguno os ilustrará sobre este funcionamiento a la perfección.

¿A que después de ver como rebota el espejo da un poco de cosa hacer una foto? :P

He aquí unos simples pasos para conseguir un buen resultado de estudio, en cualquier lugar aún con poco espacio.

Para ilustrarlo he puesto una foto del pasillo de mi casa, para que veais que se pueden hacer en cualquier sitio (realmente en el salón había más sitio, pero así lo demostraba casi mejor ^^)

Si nunca hemos hecho fotos de estas, podemos ir haciendo pruebas con 1 luz, 2 luces, 3 luces hasta conseguir la configuración que queremos, o seguir los consejos que os doy para hacerlo directamene ;)

Yo os cuento como lo he hecho, pero seguro que hay más maneras igualmente aceptables.

Las fotos de carnet oficiales tienen una medida de 26x32mm, y la cabeza debe medir entre 20 y 25 mm. con fondo blanco.

Además deben tener una iluminación neutra, con lo que no querremos muchas sombras artísticas ni muchos contrastes… pero claro, tampoco querremos matar las sombras y dejar una fotografía plana, sin volumen ninguno.

Yo propongo una configuración de 3 luces como veis en la foto que encabeza la entrada. Las he llamado A, B y C para referirme a ellas.

Lo primero es configurar la cámara para después adaptar la potencia de los flashes según la apertura e ISO usadas. Yo puse ISO 200 para conseguir nitidez (podría usar ISO 100 pero con 200 consigo usar los flashes a media potencia), y f/8 para lo mismo, nitidez y además, buena profundidad de campo, ya que como la foto me la haré a mi mismo, pues evito problemas de enfoque de esta manera.

La velocidad, 1/160, lo suficientemente alta para evitar ninguna trepidación (aunque está en un trípode) pero siempre por debajo de la velocidad máxima de sincronización de la cámara con los flashes (en mi caso 1/200, en la mayoría 1/250). Como la luz proviene totalmente de flashes, la velocidad no afecta para nada a la exposición ;)

Ahora bien, con estos parámetros, medimos las luces empezando por la luz principal que yo he considerado la luz A.

Dispongo de una softbox de 60x60cm con un Canon 430 EX II. El zoom es el máximo (14mm) para rellenar completamente la softbox, y la potencia que quedaba bien era 1/4.

La altura de esta luz la fui ajustando según veía los resultados, y llegué a la conclusión de que el centro de la softbox tiene que estar a la misma altura que la nariz aproximadamente. Como es más alta que la cabeza, conseguirá iluminar tanto por arriba, como por abajo, bajo la barbilla, eliminando una sombra que se produciría si lo ponemos más alto. Es el único punto a tener en cuenta.

Una vez tenemos esta luz colocada, al estar en un lateral, veremos que generará sombras que pueden que estén muy bien para fotos de otro tipo, pero no para fotos de carnet. Para ello hacemos uso de una segunda luz (B) que la usaremos de relleno. En este caso quise aprovechar una pared blanca como reflectante de gran tamaño y así hacer que tenga una sombra suave, como podeis ver en la foto de configuración. Para que no haya mucha sombra ni diferencia de luces, es decir, tener una iluminación constante, ponemos esta luz casi a la misma potencia que la luz A. Y digo casi (y no igual) para que haya un poco de volumen, y no quede totalmente plano.

Y para finalizar, se nos pide un fondo blanco verdad? Pues disponemos de una tercera luz (C) que colocamos justo detrás del sujeto apuntando hacia la pared, de manera que quede entre +1 y +2 respecto a la luz principal. Ten en cuenta que si está muy cerca de la pared, por la ley del inverso de la distancia al cuadrado, no hará falta darle tanta potencia como a la luz principal.

Y creo que eso es todo respecto a iluminación. Aquí os dejo un pequeño esquema donde se puede ver más clara la idea:

Tan solo aclarar que he usado una distancia focal considerablemente larga (100mm.) que suele ser buena para retratos debido a la perspectiva cerrada que genera y a la carencia de distorsión.

¡Y listo! Aquí el resultado:

¿Quién diría que se ha hecho en un pasillo verdad?

Esto es por el tipo de medición que tengamos seleccionado. Si se hace una medición matricial o ponderada, al hacerse la media de la luminosidad captada por la lente, la cámara ve que la luz de fondo es muy fuerte e intenta compensarla haciendo más oscura la foto, por lo que lo que está en primer plano se ve muy oscuro.

En el otro extremo, si usamos una medición puntual o ponderada al centro, y en el centro está la persona, la zona medida (la persona) se ve oscura y la cámara lo compensa haciendo la foto más clara. El resultado ya lo puedes imaginar: la persona en primer plano se ve bien, pero el fondo sale demasiado claro o incluso quemado.

Lo que voy a explicar a continuación, que soluciona esta situación, es la base de toda iluminación con luz artificial en un entorno con luz natural:

Lo primero de todo, medimos para el fondo, es decir, ajustamos los parámetros de ISO, tiempo de exposición y apertura para que el fondo salga correcto.

Una vez tenemos el fondo correctamente expuesto, ajustamos los flashes que vayamos a usar (que puede ser un flash montado en la cámara, en un lateral con un paraguas, varios…) para que la persona en primer plano quede bien iluminada.

Para ello colocamos los flashes a la distancia deseada, ajustamos su zoom, etc. y al final, vemos que potencia le hace falta a los flashes.

Algo tan sencillo como manejar estos parámetros es la base de todo, y ofrece tantas opciones como la imaginación (y el equipo disponible) permita. A partir de aquí podemos empezar a jugar con distintas posiciones de la luz, materiales reflectantes, tipos de luz, colores…

Todo un mundo… que intentaremos ir descubriendo poco a poco ;)

Es una técnica muy usada en deportes, sobre todo de motor, para crear una sensación de movimiento sin que el sujeto esté borroso.

La teoría para su ejecución es muy fácil:

1. Eliges una velocidad de obturación relativamente lenta (depende de la velocidad de movimiento del sujeto y de la distancia focal del objetivo usado).
2. Sigues al sujeto con el objetivo, a ser posible en autofocus continuo.
3. Dispara en ráfaga para mayor efectividad.

Es fácil conseguir resultados aceptables donde el sujeto, en este caso coches y motos por el centro de Málaga, queden nítidos, congelados, mientras que el fondo está en movimiento, pero no tan fácil conseguir que el sujeto quede tan nítido como si se le hubiese hecho la foto mientras estaba parado.

Estas fotos las hice mientras esperaba a otra persona pensando en hacer el post, por lo que tampoco tienen mucha preparación, pero de unas 7 u 8 que hice, solo 1 me quedó tan nítida para que se leyese a la perfección la marca de la moto. He aquí un recorte al  100%:

Por supuesto, no soy ningún experto en esto de los barridos ya que no suelo hacerlos, pero ya se ve que no salen perfectos a la primera. Como todo, práctica es lo que hace falta ;)

Aquí me planteaba el problema de pensar cómo hacer la foto, que elementos saldrían en ella y cuales no. Lo que se conoce como composición o encuadre, vamos.

En este caso lo tuve bastante claro la verdad. Me fijé en que los detalles que quería que saliesen eran: la cortina haciendo contraste de sus colores con la puerta, la textura de la puerta, las lineas de la puerta entreabierta.

Se conocen varias reglas clásicas de composición, como la regla de los tercios o la de la proporción áurea. En mi cabeza simplemente apliqué algo de sentido común, utilizando una especie de mezcla entre ambas ;)

Para ello cogí y coloqué la cortina para que llenase con sus colores el tercio izquierdo de la foto , mientras que lo restante (los dos tercios derechos) los dividí horizontalmente y usé una linea de la puerta como división horizontal, dejando el pomo de la puerta destacando en la parte más cuadrada de la foto.

Personalmente me parece un buen encuadre, que crea un buen efecto compositivo… pero ahora hace falta que los que vean la foto piensen como yo.

¿Qué os parece?

A raíz de ello, se probaron distintos métodos para conseguir estos efectos de colores artificiales y de alto contraste. El más común era el ya mencionado, pero también lo era el procesado de una película negativa en color con químicos E-6 que generaba una imagen positiva pero con la base naranja de un negativo en color procesado normalmente.

También habían otros métodos, como por ejemplo el blanquear una película de color con químicos de blanco y negro, reexponerlas a la luz, y procesarlas de nuevo con sus químicos adecuados, para obtener efectos de pastel de bajo contraste.

Una de las virtudes que se le encontraba a este proceso, es que el resultado era a menudo impredecible, ya que dependía de muchos factores, como el tipo de película utilizada, la cantidad de luz de la reexposición, los químicos para procesar…

Sin ir más lejos, el movimiento de la lomografía es casi un sinónimo de este proceso ;)

Pero bueno, no hay que irse al carrete de nuevo para obtener este tipo de procesado. Se puede hacer sencillamente con una configuración de curvas en el Photoshop, tratando cada canal de color por separado.

Os dejo aquí una captura de como quedan mis curvas para la fotografía de las palomitas que encabeza esta entrada, que por cierto está hecha con un Canon EF 50mm 1.4 a ISO 1600 ;)

Es la manera más rápida de editar este tipo de fotos, y crea un efecto divertido. Aún así, quizás más adelante haga otra entrada con una manera más complicada y detallada de como hacer este efecto.

Esto como ya sabréis, se hace con una exposición un tanto prolongada (dependiendo del efecto que queramos conseguir se deja más o menos tiempo), aunque empieza a aparecer a 1/5 seg aproximadamente.

Las fotos que aquí enseño están hechas con exposiciones de 2, 6 y 25 segundos respectivamente. Así se puede ver la diferencia en la apariencia del agua de cada foto. Por supuesto el uso del trípode es obligatorio en este tipo de fotos ;)

El problema viene cuando queremos hacer fotos de este tipo mientras hay luz, para que salgan los colores diurnos (e incluso las sombras que dan una apariencia más natural, como en la segunda foto). Al haber luz suficiente para hacer fotos sin que se necesite trípode (pudiendo disparar perfectamente a 1/100 por ejemplo) por mucho que cerremos el diafragma a f/22 (aunque algunos objetivos de los que he usado dejan hasta f/32) seguirá habiendo demasiada luz y la velocidad recomendada para exponer correctamente será tan rápida que congelaremos el agua y no conseguiremos el efecto de agua sedosa.

Para ello, se puede hacer uso de los filtros ND (Neutral Density) o filtros de densidad neutra, que lo único que hacen (teóricamente) es quitar luz a la escena, sin modificarla. Los hay de diferentes tipos y se diferencian en la cantidad de luz que restan. Así pues tenemos el ND2 (que quita un paso de luz), el ND4 (que quita dos pasos de luz), el ND8 (que quita tres pasos de luz)…

Cada paso de luz que quitemos hace que entre la mitad de luz, así si en la escena original a f/11 se dispara a 1/40, usando un ND2 sería necesario disparar a 1/20, y usando un ND8 a 1/5 para obtener los mismos resultados.

Además existe un ND400, que quita unos 9 pasos de luz, aunque debería de hacer alguna prueba para ver exáctamente cuanta luz resta, pero es tan oscuro que tienes que componer la escena, y luego poner el filtro porque no ves nada. Curiosamente la cámara es capaz de enfocar (al menos la 5D II ^_^ — con la 450D no lo he probado).

Este filtro también es conocido como filtro de arquitectura, porque se usa mucho para fotografiar edificios sin que se vea gente pasando (ya que la cantidad de luz emitida en cada momento por cada persona en un lugar dado no es suficiente para que aparezca en la fotografía).

Las tres fotos aquí mostradas están hechas con el ND400 :)

Eso sí, no es un objetivo para ir con prisas jejeje.